Programm

Fäden verbinden: Ein Kunstwerk von uns allen. Komm vorbei und werde Teil eines großen, gemeinsamen Kunstwerks! In dieser offenen Werkstatt laden wir alle – mit oder ohne Vorkenntnisse – dazu ein, kleine Stoffstücke bunt zu besticken. Du kannst sofort loslegen. Am Ende des Festivals werden all diese individuellen kleinen Kunstwerke zu einem großen, wunderschönen Kunstwerk zusammengenäht. Schau einfach vorbei, entspanne dich, lerne beim Sticken andere Menschen kennen und hinterlasse deinen kreativen Abdruck!

Was passiert, wenn Kunst den Ausstellungsraum verlässt und mitten im Alltag auftaucht?

Für inter_val verwandelt Eunjeong Kim drei Schaufenster in der Dortmunder Innenstadt in öffentlich zugängliche Ausstellungsräume. Auf einer Route vom Dortmunder Hauptbahnhof zum Theater im Depot begegnen Besucher:innen Hängungen, interaktiven Bildern und digitalen Arbeiten.

Über QR-Codes lassen sich die Arbeiten direkt mit dem eigenen Smartphone erweitern. Augmented Reality, Animation, Klang und Interaktion verbinden sich mit dem realen Stadtraum und lassen die Grenzen zwischen Schaufenster, Straße und virtuellem Raum verschwimmen.

Zusätzlich werden im Theater im Depot physische Austellungsstücke in Form von Luftballons zu sehen sein.

Eingebunden in den Stadtrundgang am Samstag an allen drei Tagen vom 29.-31.10.2026

Die Doku-Fiktion இனி வந்தென்ன வராமல் என்ன [Obgleich ich nun komme oder gehe] – Briefe aus der Kantstraße 104a widmet sich der Frage, welche Erinnerungen an einem flüchtigen Ort wie einer Asylunterkunft verbleiben, wenn die Menschen längst nicht mehr dort wohnen. Welche Spuren sind im Gebäude eingeschrieben und verweisen auf das Leben und die Lebendigkeit im Zwischenraum von Flucht? Auf welche Basis stützt sich das Erinnern, wenn etwa Briefe längst nicht mehr existieren, weil sie in den Kriegsjahren verloren gegangen sind?

Deutsch, Tamilisch mit Englischen UT, Deutschland 2023, 25 Min.

Es geht los! Das Team hinter inter_val stellt sich vor.

Wie bearbeiten wir Leerstellen im Geschichtsbewusstsein? Und was bedeutet es, die zweite Generation zu sein?

Personen, die nach Deutschland geflüchtet oder migriert sind und Tätigkeiten als Gastarbeiter:innen, günstige Arbeitsmigrant:innen, Pflegekräfte arbeiteten oder sich in der Gastronomie selbstständig machten, standen selten als Subjekte im Fokus der Öffentlichkeit. Einige ihrer Kinder haben die Wut über die Unsichtbarkeit zur Grundlage für ihre Recherchen oder zur Basis ihrer künstlerischen Arbeit gemacht.Die ersten Personen, die nach Deutschland geflüchtet oder migriert sind, haben durch ihre Tätigkeiten als Bergbauarbeiter:innen, Pflegekräfte oder günstige Arbeitsmigrant:innen nicht im Fokus der Öffentlichkeit gestanden. Einige ihrer Kinder haben die Wut über die Unsichtbarkeit ihrer Geschichten zum Anlass für ihre Recherchen oder künstlerische Arbeit genommen.

Im Gespräch mit Julia Wadhwan vom Online-Archiv „Who cared?”, Min Dju Jansen von der Recherchearbeit „Stadt der Vielen” und der Filmemacherin und Kuratorin Anujah Fernando geht es um den Prozess des intergenerationalen Drucks, ein “guter Ausländer” zu sein, aber auch über die Stärke, die durch das Finden von Antworten auf der Suche nach der eigenen Zugehörigkeit entsteht. 

Im Rahmen des Time To Breathe Fellowships entwickelt Havva Ayvalık eine fotografische und installative Werkserie über das Çeyiz – die traditionelle Aussteuer – als Archiv ihrer Mutter. Ausgangspunkt sind über Generationen bewahrte Textilien, Fotografien und Alltagsobjekte, die von weiblicher Arbeit, Fürsorge, Migration und Erinnerung erzählen. Im Zentrum entsteht ein Çeyiz-Zimmer, das originale Objekte mit Fotografien und künstlerischen Interventionen verbindet. Die Arbeit macht weibliches Wissen und familiäre Überlieferung sichtbar und fragt nach dem kulturellen Vermächtnis von Müttern und ihren Töchtern. 

Kuo's practice, Secondary Body, investigates full participation: how a body can participate in what is happening in the very moment without first needing to interpret, name, decide, or translate experience into action. Through physical tasks, the practice observes what is triggered, what is being bypassed, and what question the body is already responding to. 

In Those I Care, two bodies enter a shared space without knowing in advance what should be kept, interrupted, or followed. A movement may arrive involuntarily; another body may notice it, respond to it, or let it pass. What begins as an impulse can become an encounter, while what appears intentional may dissolve before it is completed. 

Tourette syndrome remains a point of departure, but the work does not attempt to reproduce or represent tics. Instead, involuntary movement opens a situation in which choice and non-choice continuously meet. Kuo and Bo-Jia Huang stay with these moments, allowing movement, attention, hesitation and interruption to reorganize their relationship in real time. The question is not how to control what appears, but how fully one can participate in what is already taking place. 

Kuos Praxis „Secondary Body“ untersucht das Thema der vollständigen Teilhabe: Wie kann ein Körper an dem Geschehen im Hier und Jetzt teilhaben, ohne Erfahrungen zunächst interpretieren, benennen, entscheiden oder in Handlungen umsetzen zu müssen? Anhand körperlicher Aufgaben beobachtet die Praxis, was ausgelöst wird, was umgangen wird und auf welche Frage der Körper bereits reagiert.

In „Those I Care“ betreten zwei Körper einen gemeinsamen Raum, ohne im Voraus zu wissen, was beibehalten, unterbrochen oder weiterverfolgt werden soll. Eine Bewegung kann unwillkürlich entstehen; ein anderer Körper kann sie wahrnehmen, darauf reagieren oder sie vorbeiziehen lassen. Was als Impuls beginnt, kann zu einer Begegnung werden, während das, was absichtlich erscheint, sich auflösen kann, bevor es vollendet ist.

Das Tourette-Syndrom bleibt ein Ausgangspunkt, doch das Stück versucht nicht, Tics nachzubilden oder darzustellen. Stattdessen eröffnet die unwillkürliche Bewegung eine Situation, in der Wahl und Nicht-Wahl ständig aufeinandertreffen. Kuo und Bo-Jia Huang bleiben bei diesen Momenten und lassen zu, dass Bewegung, Aufmerksamkeit, Zögern und Unterbrechung ihre Beziehung in Echtzeit neu ordnen. Die Frage ist nicht, wie man kontrollieren kann, was erscheint, sondern wie vollständig man an dem teilnehmen kann, was bereits stattfindet.

Wie spricht man über Gefühle, wenn der Raum dafür nie zu einem gewohnten Ort werden durfte? 
Welche Kräfte wirken, wenn die Kommunikation mit den Eltern scheitert? Ist die Sprachbarriere 
schuld? Woran orientieren wir uns, wenn wir die erste Generation zu sein scheinen, die sich diese 
Fragen hörbar stellt? Drei Protagonist*innen versuchen sich an Übersetzungen von Sprachlosigkeit.

Hörst du mich? ist eine Stückentwicklung, die sich dem Scheitern der Kommunikation und der 
Sprache widmet – aus der Perspektive von Viet-Deutschen der zweiten Generation. Erzählt wird 
vom Standpunkt des alltäglichen Zwiespalts zweier Kulturen, multipler Identitäten und doch: von 
generationeller Einsamkeit. Es soll ein Raum entstehen, an dem betroffene Menschen eine 
Möglichkeit haben anzukommen, ob in Kulturen, Sprachen oder bei sich selbst.

Hörst du mich? – một câu chuyện Việt-Đức về sự lặng ngôn.
Chúng ta có thể nói về cảm xúc ra sao khi không gian dành cho chúng chưa từng là một nơi thân 
thuộc? Những yếu tố nào dẫn đến việc giao tiếp không thành với ba mẹ? Có phải chỉ do rào cản 
ngôn ngữ không? Chúng ta có thể làm thế nào, khi dường như, chúng ta là thế hệ đầu tiên cất tiếng 
hỏi những điều này? Ba nhân vật chính trong vở kịch cố gắng dịch điều khó giãi bày.

Hörst du mich? là một vở kịch về những nỗ lực không thành trong giao tiếp và ngôn từ – bởi 
những người gốc Việt thế hệ hai, sinh ra và lớn lên tại Đức. Câu chuyện được kể từ góc nhìn của 
những xung đột hàng ngày giữa hai nền văn hóa, những đa dạng bản sắc, và sự cô đơn mang tính 
thế hệ. Vở kịch muốn tạo ra không gian để các thế hệ tìm thấy những điểm chạm – dù là trong văn 
hóa, ngôn ngữ, hay với chính mình.

Nach der Vorstellung von „Hörst du mich? - Über viet-deutsche Sprachlosigkeit" laden wir alle zu einem gemeinsamen Karaoke ein. Bringt eure Lieblingssongs mit und feiert mit uns den Festivalauftakt. Wir können alle Songs spielen, die auf YouTube zu finden sind. Von Sài Gòn Đẹp Lắm bis hin zu No Scrubs ist alles dabei!

21:15 - 21:45 Uhr Community only

21:45 - 23:00 Uhr offen für Alle

Durch die Kolonisierung Indiens kam es im 12. Jahrhundert zur Abspaltung zweier Musikstile: die Hindustani-Musik im Norden und die Karnatak-Musik im Süden. In der Diaspora findet diese strenge Unterteilung kaum statt. 

Am Eröffnungsabend von inter_val treffen die Sängerin Prashanti aus Köln, der Tabla-Spieler Nagushaanth aus Unna und der Bansuri-Spieler Himansh Pandey aus Bochum aufeinander. Sie haben bisher noch nie zuvor zusammen gespielt. Diese Premiere dürfen wir gemeinsam erleben – spontan, reaktiv und ganz im Sinne der Vielfalt indischer Klassik!

Fäden verbinden: Ein Kunstwerk von uns allen. Komm vorbei und werde Teil eines großen, gemeinsamen Kunstwerks! In dieser offenen Werkstatt laden wir alle – mit oder ohne Vorkenntnisse – dazu ein, kleine Stoffstücke bunt zu besticken. Du kannst sofort loslegen. Am Ende des Festivals werden all diese individuellen kleinen Kunstwerke zu einem großen, wunderschönen Kunstwerk zusammengenäht. Schau einfach vorbei, entspanne dich, lerne beim Sticken andere Menschen kennen und hinterlasse deinen kreativen Abdruck!

Was passiert, wenn Kunst den Ausstellungsraum verlässt und mitten im Alltag auftaucht?

Für inter_val verwandelt Eunjeong Kim drei Schaufenster in der Dortmunder Innenstadt in öffentlich zugängliche Ausstellungsräume. Auf einer Route vom Dortmunder Hauptbahnhof zum Theater im Depot begegnen Besucher:innen Hängungen, interaktiven Bildern und digitalen Arbeiten.

Über QR-Codes lassen sich die Arbeiten direkt mit dem eigenen Smartphone erweitern. Augmented Reality, Animation, Klang und Interaktion verbinden sich mit dem realen Stadtraum und lassen die Grenzen zwischen Schaufenster, Straße und virtuellem Raum verschwimmen.

Zusätzlich werden im Theater im Depot physische Austellungsstücke in Form von Luftballons zu sehen sein.

Eingebunden in den Stadtrundgang am Samstag an allen drei Tagen vom 29.-31.10.2026

Mit dem 90-minütigen Stadtrundgang stellt das inter_val in Kooperation mit der Gedenk- und Mahnstätte Steinwache die Verbindung zum staatlich organisierten Rassismus her, dessen Auswirkungen in die Gegenwart reichen. Bei dem Stadtrundgang werden Biografien jüdischer und Sinti und Roma Dortmunder:innen erzählt. Die Stationen sind die Steinwache, die Musikschule, das Dietrich-Keuning-Haus, die Kirchenstraße 23 und der Nordausgang des Hauptbahnhofs.

Der Stadtrundgang endet im Theater im Depot bei einem gemeinsamen Getränk.

Ein Text entsteht nicht in der stillen Kammer. Er entsteht im gemeinsamen Dialog. Er braucht nicht eine Person, die ihn schreibt, sondern Freund:innen, die zuhören, kritische Geschwister, die ihn herausfordern, und liebevolle Weggefährten, die ihm die Angst nehmen. 

Seit 2024 trifft sich die Gruppe Gemeinsam Schreibsam im Ruhrgebiet und verfolgt eine Praxis des freundschaftlichen Lernens, um aus der Vereinzelung herauszukommen, in denen der Literaturbetrieb oftmals Autor*innen treiben will. Während der kulinarischen Lesung „Time to Eat" wollen wir unsere Texte vorstellen, in den Austausch gehen und gemeinsam essen. Nahrung für die Gedanken, die Seele und den Magen! 

Ausgehend vom “Çeyiz – Das Archiv meiner Mutter”, der textilen Aussteuer und dem darin gespeicherten Wissen von Frauen, beschäftigt sich What Hands Remember mit Erinnerung, Weitergabe und unsichtbarer Arbeit.

Fünf Frauen sitzen im Kreis. Sie öffnen ihre Bohça, nehmen ein weißes Tuch, entfalten es, falten es und geben es weiter. Immer wieder. Die Tücher wandern von Hand zu Hand, die Stapel bleiben gleich hoch. Eine einfache Bewegung wird zu einer Choreografie des Erinnerns – zu einem körperlichen Wissen, das nicht erklärt werden muss.

Was zunächst wie eine einfache textile Alltagshandlung erscheint, wird durch die Wiederholung zu einer Choreografie des Erinnerns. Falten, Ordnen, Bewahren und Weitergeben verweisen auf jene oft unsichtbare Arbeit, die über Generationen hinweg weitergetragen wird: als Tätigkeit, als Fürsorge, als Ritual und als körperliches Wissen.

Begleitet wird die Performance von einer Soundkomposition aus Atem, Stimmen, Stoffgeräuschen und Fragmenten türkischer Lieder aus dem Kontext von Hochzeit und Kına-Gecesi. Erinnerungen tauchen auf, überlagern sich und verschwinden wieder – wie etwas, das im Körper gespeichert ist, ohne vollständig ausgesprochen zu werden.

Çeyiz – Das Archiv meiner Mutter

Im Rahmen des Time To Breathe Fellowships entwickelt Havva Ayvalik eine fotografische und installative Werkserie über das Çeyiz – die traditionelle Aussteuer – als Archiv ihrer Mutter. Ausgangspunkt sind über Generationen bewahrte Textilien, Fotografien und Alltagsobjekte, die von weiblicher Arbeit, Fürsorge, Migration und Erinnerung erzählen. Im Zentrum entsteht ein Çeyiz-Zimmer, das originale Objekte mit Fotografien und künstlerischen Interventionen verbindet. Die Arbeit macht weibliches Wissen und familiäre Überlieferung sichtbar und fragt nach dem kulturellen Vermächtnis von Müttern und ihren Töchtern.

Im Rahmen des Time To Breathe Fellowships entwickelt Havva Ayvalık eine fotografische und installative Werkserie über das Çeyiz – die traditionelle Aussteuer – als Archiv ihrer Mutter. Ausgangspunkt sind über Generationen bewahrte Textilien, Fotografien und Alltagsobjekte, die von weiblicher Arbeit, Fürsorge, Migration und Erinnerung erzählen. Im Zentrum entsteht ein Çeyiz-Zimmer, das originale Objekte mit Fotografien und künstlerischen Interventionen verbindet. Die Arbeit macht weibliches Wissen und familiäre Überlieferung sichtbar und fragt nach dem kulturellen Vermächtnis von Müttern und ihren Töchtern. 

Welches diskursive Feld öffnet sich zum Thema Postmigration? Diese Frage diskutieren wir mit dem Regisseur Benjamin Truong, der bildenden Künstlerin Amdrita Jakubi und der Kurator:in und Autor:in Miedya Mahmod. 

Freischaffend Kunst zu machen, ist eine prekäre Angelegenheit. Stellvertretend für eine Community zu stehen, ist eine sehr verantwortungsvolle Aufgabe. Und in der Schnittmenge von Kunst und Community kreativ zu sein, ist ein Spagat.  

Doch was sagen Künstler:innen selbst dazu? Was ist ihre Community und wie laden sie in Räume ein, die historisch nie für sie gemacht wurden?

In Pss, Pss! Chop, Chop! چوپ چوپ؛ untersucht Shivā Amiri, ausgehend von der Erfahrung langandauernder Flucht dekoloniale Identitätsbildung und gesellschaftliche Transformationsprozesse. Das F-Wort sprengt Grenzen und stellt Konzepte von Staatlichkeit, Geschlecht und Zugehörigkeit infrage. Amiri begibt sich auf eine biographische Suche nach Geschichten, Bildern und Menschen. Kurze Szenen ziehen vorbei, bruchstückhaft. Verschwommene Erinnerungen, hier und da ein Puzzleteil. Was bleibt, wenn alles verloren scheint? Um sich zu erinnern, besucht Amiri das Haus der Großmutter in Kabul, recherchiert die Orte der Lager und tanzt Attan mit den Geistern der Familie. Immer wieder sucht, befragt und sammelt Amiri neue Fragmente. Sie lassen sich nicht zusammensetzen und werden so lange neu zersetzt, bis ein Prozess des Kompostierens entsteht. Ein stetig wandelndes Archiv aus Sound, Tanz und Poesie, das transkulturelles Leben und Widerstand im Kontext von Flucht verhandelt. 
 

در Pss, Pss! چوپ چوپ؛  ردپای ماندگار آوارگیِ طولانی‌مدت در تجربه‌های میان‌نسلی جست‌وجو می‌شود. این اثر، جست‌وجویی‌ست زیست‌نامه‌وار برای یافتن قصه‌ها، تصویرها و انسان‌ها — جست‌وجویی که به‌گونه‌ای جدایی‌ناپذیر با فقدان گره خورده است. برای به‌یاد آوردن، بازگشتی به خانهٔ مادربزرگ در کابل رخ می‌دهد، مکان‌های کمپ‌ها و اردوگاه‌ها مورد پژوهش قرار می‌گیرند و رقص اتن با ارواح خانواده ادامه می‌یابد. آنچه شکل می‌گیرد، آرشیوی شخصی از صدا، رقص، شعر و سفره است — دربارهٔ زندگی فرامرزی و مقاومت.   

Team 

Regie, Choreografie: Shivā Amiri 
Performance, Tanz: Shivā Amiri 
Künstlerische Beratung: Elisabete Finger 
Regieassistenz: Saeed Asadsangabi 
Sound Design: Mahtab Sabetara 
Komposition Attan: Hadja Rastagar 
poetische Audiodeskription: Elnaz Farahbakhsh 
Bühnenbild: Shivā Amiri 
Übersetzung: Elnaz Farahbakhsh 
Produktion: Micaela Leon Gutbrod, Amiri.Art.Productions 
Produktionsassistenz: Anna Hennecke 
Technik: Dana Maxim, David Hoffmann, Nina Koebel 

Die Dortmunder Rapperin Justice erzählt in ihrer Musik von den kleinen und großen Situationen des Alltags, von persönlichen Höhen und Tiefen und den Herausforderungen, die das Leben mit sich bringt. Dabei verwandelt Justice negative oder unangenehme Erlebnisse in humorvolle und positive Geschichten. Menschen aus dem unmittelbaren Umfeld werden dabei Teil dieser Erzählungen und erleben die verschiedenen Höhen und Tiefen gemeinsam mit Justice. So entstehen authentische, persönliche Geschichten, die zum Lachen, Nachdenken und Wiedererkennen einladen. 

JNNRHNDRXX (ausgesprochen: Jenner Hendrixx) ist eine Berliner Multitalent-Künstlerin, die die deutsche Musikszene nachhaltig prägt. Mit 29 Jahren hat sie sich als Rapperin, Songwriterin, Schauspielerin, Model, TikTok Persönlichkeit und Autorin etabliert. Ihre künstlerische Reise begann früh: Mit 10 Jahren sang sie im Kirchenchor, mit 14 Jahren wurde sie als Model entdeckt. Als Schauspielerin stand sie bereits in Serien und Filmen vor der Kamera. Literarisch war sie an dem vielbeachteten Sammelband Schwarz wird großgeschrieben beteiligt. Den musikalischen Durchbruch schaffte sie mit der EP STAAKEN TRAUMA. 2024 folgte das Debütalbum JNNTOPIA, das Kritiker*innen und Fans gleichermaßen überzeugte und JNNRHNDRXX auf die Cover von Magazinen wie Siegessäule und Tip Berlin brachte. Ihre Liveshows gelten als einzigartig: energiegeladen, intensiv und performativ. Beim CSD 2022 am Brandenburger Tor begeisterte sie tausende Menschen, ebenso beim Fusion Festival im Palast der Republik, wo sie als Newcomerin das Publikum in ihren Bann zog. JNNRHNDRXX steht für die Revolution einer Bühnenperformance, die Rap, Tanz, visuelle Codes und politische Botschaften miteinander verschmilzt. Mit ihrer Kunst schafft sie Räume, in denen Schwarze, queere und trans Stimmen sichtbar und gefeiert werden. 

Fäden verbinden: Ein Kunstwerk von uns allen. Komm vorbei und werde Teil eines großen, gemeinsamen Kunstwerks! In dieser offenen Werkstatt laden wir alle – mit oder ohne Vorkenntnisse – dazu ein, kleine Stoffstücke bunt zu besticken. Du kannst sofort loslegen. Am Ende des Festivals werden all diese individuellen kleinen Kunstwerke zu einem großen, wunderschönen Kunstwerk zusammengenäht. Schau einfach vorbei, entspanne dich, lerne beim Sticken andere Menschen kennen und hinterlasse deinen kreativen Abdruck!

Was passiert, wenn Kunst den Ausstellungsraum verlässt und mitten im Alltag auftaucht?

Für inter_val verwandelt Eunjeong Kim drei Schaufenster in der Dortmunder Innenstadt in öffentlich zugängliche Ausstellungsräume. Auf einer Route vom Dortmunder Hauptbahnhof zum Theater im Depot begegnen Besucher:innen Hängungen, interaktiven Bildern und digitalen Arbeiten.

Über QR-Codes lassen sich die Arbeiten direkt mit dem eigenen Smartphone erweitern. Augmented Reality, Animation, Klang und Interaktion verbinden sich mit dem realen Stadtraum und lassen die Grenzen zwischen Schaufenster, Straße und virtuellem Raum verschwimmen.

Zusätzlich werden im Theater im Depot physische Austellungsstücke in Form von Luftballons zu sehen sein.

Eingebunden in den Stadtrundgang am Samstag an allen drei Tagen vom 29.-31.10.2026

Ein künstlerisch-historischer Stadtrundgang durch Dortmund

Die Nordstadt ist ein Ort voller Bewegung, unterschiedlicher Geschichten und alltäglicher
Begegnungen. Ein Stadtteil, der von einer heterogenen Stadtgesellschaft geprägt ist, aber
auch immer wieder auf bestimmte Bilder und Zuschreibungen reduziert wird.
Was passiert, wenn wir diese vertrauten Bilder hinterfragen? Welche Erinnerungen und
Geschichten verbergen sich hinter den Orten, an denen wir täglich vorbeigehen? Was
verändert sich, wenn wir vertraute Orte aus anderen Perspektiven betrachten, Gewohntes
hinterfragen und beginnen, manches zu verlernen?

Bei diesem künstlerisch-historischen Stadtrundgang begegnen wir den Arbeiten von Havva
Ayvalik, Eunjeong Kim und Richard Opoku-Agyemang, drei Künstler*innen des TIME TO
BREATHE Fellowships von Interkultur Ruhr.

Unser Weg beginnt am Dortmunder Hauptbahnhof und führt uns zunächst in die Innenstadt, wo wir Havva Ayvaliks Installation bei Hans C Raum besuchen. Von dort geht es weiter
durch die Nordstadt, vorbei an künstlerischen Interventionen von Eunjeong Kim im
öffentlichen Raum, bis zum Dortmunder Hafen. Dort begegnen wir BAOBAB, dem
dekolonialen Denkzeichen von Richard Opoku-Agyemang. Unser Spaziergang endet am
Theater im Depot.

Zwischen den Kunstwerken, den Straßen und unseren eigenen Geschichten entsteht Raum
für neue Perspektiven, Begegnungen und Gespräche. Vielleicht auch eine Gelegenheit,
vertraute Orte mit anderen Augen zu sehen.

Im Rahmen des Time To Breathe Fellowships entwickelt Havva Ayvalik eine fotografische und installative Werkserie über das Çeyiz – die traditionelle Aussteuer – als Archiv ihrer Mutter. Ausgangspunkt sind über Generationen bewahrte Textilien, Fotografien und Alltagsobjekte, die von weiblicher Arbeit, Fürsorge, Migration und Erinnerung erzählen. Im Zentrum entsteht ein Çeyiz-Zimmer, das originale Objekte mit Fotografien und künstlerischen Interventionen verbindet. Die Arbeit macht weibliches Wissen und familiäre Überlieferung sichtbar und fragt nach dem kulturellen Vermächtnis von Müttern und ihren Töchtern. 

Keine Keynote, sondern eine Wholenote. Deshalb nicht am Anfang, sondern dazwischen. Sie wird wholesome sein und auch über Holes, Löcher und Risse als Teil jedes Ganzen oder dessen, was annimmt, ein Ganzes zu sein, sprechen.

"Komm vorbei um über die Räume, die wir uns wünschen füreinander und das temporäre Miteinander zu besprechen. Über die Festivaltage und darüber, wie wir hoffentlich waren. Und über die Frage, welchen Raum wir jeweils in sozialen Gefügen halten und welchen Raum wir konkret möglich machen können – im Rahmen des inter_val und mit dem, was wir an Erfahrungen dort machen durften (inshallah)."

Ein Raum zum Ankommen. Ein Raum zum Verweilen, zum Loslassen. Setz oder leg dich hin, schließe die Augen, oder auch nicht. Höre hin, komm wirklich an. Auf einer unkonventionellen Bühne entsteht etwas zwischen Lesung, Bekenntnis und Meditation. Zwischen einer Listening Session und immersivem Sound lese ich über die Suche nach Zugehörigkeit & Verbundenheit. 

Lass uns zuhören. Lass uns ankommen. Lass uns den Moment anerkennen

Der Raum, in dem die Veranstaltung stattfindet, ist die große Bühne im Theater im Depot. Sie wird abgedunkelt sein, mit indirektem Licht und Sitzkissen. Keine grellen Lichter, keine klassische Bühnenatmosphäre. Diese Soft Performance macht Texte anders erlebbar – Atmosphäre wird selbst Teil des Textes. 

Archivierungspraxis ist nicht unschuldig. Wer was wann kategorisierte und wo archivierte, entscheidet darüber, was in Zukunft erinnert wird. 

Gleichzeitig kann das Erbe der Vergangenheit auch gelebte Gegenwart sein, die sich in Traditionen ausdrückt. Der Zwiespalt, die eigenen Traditionen als identitätsstiftend zu betrachten und gleichzeitig ein Reduzieren auf vergeschlechtlichte Rollen zu erfahren, ist eine geteilte Empfindung in der Diaspora. Wie kann etwas erinnert werden und gleichzeitig die Komplexität im Umgang damit dargestellt werden? Was ist das immaterielle Erbe, das sich künstlerisch ausdrücken lässt, und welche materiellen Mittel sollten dafür konserviert werden? 

Wir laden die interdisziplinär arbeitende bildende Künstlerin Havva Ayvalik, Performer Shivā Amiri und den Mitinitiator von Kollektiv Afrik NRW Noah Weber dazu ein, um über diese Fragen zu sprechen.

Warum ist es wichtig, deine Geschichte zu erzählen? Wie könnte der Musiker Sun Ra einen Knochenfund auf Pangea beschreiben? Ein Sound-Event zwischen Dinosauriern, Raubkunst und Gegenwart. Auf Sitz- und Liegeflächen wird eingeladen, die Augen zu schließen und loszulassen, zu der Klang- und Sprachwelt von Sounddesigner und Musikproduzent Richard Opoku-Agyemang. 

Imarika erkundet den Raum zwischen der Wahrnehmung eines Schwarzen Körpers und seiner Existenz jenseits dieser Wahrnehmung. Durch Tanz, Text und persönliche Erinnerungen setzt sich das Stück mit Migration, Identität und der stillen Last überlieferter Erzählungen auseinander. Es hinterfragt die Bilder, die auf Schwarze Männer projiziert werden, und offenbart zugleich die Verletzlichkeit, Fürsorge und Sanftheit, die oft unsichtbar bleiben. 

In Anlehnung an die Bedeutung seines Titels – „stärker werden“ – zeichnet das Stück einen Weg hin zu Zugehörigkeit, Resilienz und Selbstdefinition nach und findet Stärke nicht in Gewissheit, sondern in Präsenz, Verbundenheit und dem Mut, nach den eigenen Maßstäben sichtbar zu bleiben.

Choreographie: Paul Damiano

Der Quadruple-Threat aus Rapper, Comedian, Produzent und Videograph lebt seine Kreativität breitspurig aus: seine Songs sind mal humorvolle Reflexionen über Rassismus, mal Ruhrpott-Representer-Hymne. Mal House, mal Trap, mal RnB, aber immer mit Augenzwinkern. So wird bei seinen Shows nicht nur ordentlich getanzt, sondern auch gelacht. Währenddessen sorgt Adino Binondo am Saxophon für die nötige Dosis Soul - besser geht's wirklich nicht. 

Ist es ein Label, eine Crew, ein Movement? Es ist Patina Records! Die vereinte Power von sechs Charakteren direkt aus dem Pott sorgt für frischen Wind und Energy - in der Szene,auf den Bühnen und dem Feed. Rapskills treffen auf Ignoranz, 2000er Deutschrap auf New Wave und Ohrwurm-Hooks auf Bars. Aber diese Bande ist mehr als nur Musik: Sie ist eine ehrliche Freundschaft, die über Bubbles hinweg ganz Deutschrap vereint.

Am 31.10. werden wir ab 21:30 Uhr zu 90's Hip Hop das Tanzbein schwingen. Miki Welde legt nach dem Konzert von Dein Couseng und PATINA RECORDS auf. Sei dabei!